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domingo, 26 de marzo de 2017

Diana Ross - Touch me in the morning

WE DON'T HAVE TOMORROW BUT WE HAD YESTERDAY

La cantante y actriz estadounidense Diana Ross cumple hoy 73 años. En 1973 consiguió su segundo número 1 en solitario con el single que contenía Touch me in the morning (Ron Miller/Michael Masser), canción que a su vez encabezó el álbum del mismo título.

Touch me in the morning  (lyrics)

Touch me in the morning
Then just walk away
We don't have tomorrow
But we had yesterday
Wasn't it me who said that nothing good's gonna last forever?
And wasn't it me who said let's just be glad for the time together?
It must have been hard to tell me
That you've worn down all you had to give
I can understand you're feeling that way
Everybody's got their life to live
Well, I can say goodbye in the cold morning light
But I can't watch love die in the warmth of the night
If I've got to be strong
Don't you know I need to have tonight when you're gone?
Till you go I need to lie here and think about
The last time that you'll touch me in the morning
Then just close the door
Leave me as you found me, empty like before
Wasn't it yesterday we used to laugh at the wind behind us?
Didn't we run away and hope that time wouldn't try to find us (Didn't we run)
Didn't we take each other to a place where no one's ever been?
Yeah, I really need you near me tonight
'Cause you'll never take me there again
Let me watch you go with the sun in my eyes
We've seen how love can grow
Now we'll see how it dies
If I've got to be strong
Don't you know I need to have tonight when you're gone?
Till you go I need to hold you until the time
Your hands reach out and touch me
In the morning (Mornings where blue and gold and we could feel one another living)
Then just walk away (We walked with a dream to hold and we could take what the world was giving)
We don't have tomorrow (There's no tomorrow here, there's only love and the time to chase it)
But we had yesterday
(But yesterday's gone my love, there's only now and it's time to face it) touch me in the morning











sábado, 25 de marzo de 2017

José de Espronceda (Almendralejo, Extremadura, España, 25-3-1808 / Madrid, España, 23-5-1842): In memoriam

ADALID DEL ROMANTICISMO ESPAÑOL

Hoy es aniversario natal del escritor español José de Espronceda. Poeta y revolucionario de ideología liberal, es uno de los más destacados nombres del Romanticismo español. Su tempestuosa vida integró la rebelión moral, la política y la literatura; su espíritu aventurero, rebelde y bohemio le hizo viajar por diversos países europeos y absorber influencias foráneas que supo adaptar a la cultura española. Además de su indudable talento literario, su intensa defensa de la libertad social y política le hicieron muy popular. Experimentó la triple embriaguez romántica del amor, la libertad y la patria y acabó por convertirse en un mito.
El nacimiento de José Ignacio Javier Oriol Encarnación de Espronceda Delgado se produjo en plena Guerra de la Independencia contra la invasión napoleónica, siendo su padre sargento mayor de la Caballería de Borbón. Tanto éste como su esposa procedían de familias hidalgas con rentas y de fuerte raigambre militar; ambos apoyaron siempre económicamente a su hijo. Entre los trece y los dieciséis años Espronceda estudió en el colegio madrileño de San Mateo, moderno centro de instrucción primaria y secundaria, especializado en la enseñanza de las Humanidades y Ciencias, dirigido por Alberto Lista, un liberal antiabsolutista y maestro de la primera generación romántica española, de quien se convirtió en aventajado discípulo. Desde muy joven se sintió atraído por la literatura y por la actividad política, inclinaciones ambas que definirían su carrera futura. En 1823, y a raíz de la ejecución del general Riego, que había luchado contra el absolutismo de Fernando VII (repuesto en el trono por los Cien Mil Hijos de San Luis), se incorporó a la sociedad secreta 'Los Numantinos', cuyo propósito era vengar la ignominiosa muerte (ahorcado y decapitado) del general liberal. Por una delación de uno de los miembros de la sociedad, los jóvenes dirigentes de la misma fueron procesados y condenados y entre ellos, Espronceda, que a sus diecisiete años sufrió su primer destierro pues se le impuso el  exilio de Madrid durante cinco años, pena que se reduciría a tres meses, en un convento de Guadalajara, donde su padre estaba destinado.
De 1825 a 1827 se apartó por completo de la política, dedicándose a la composición de sus poemas juveniles y a la concepción general y redacción de gran parte del poema histórico El Pelayo, en el que continuará trabajando hasta 1835. La  creación de estos primeros poemas refleja las enseñanzas de Lista y la influencia de los poetas sevillanos y salmantinos, o de los autores clásicos que eran considerados modelos por el neoclasicismo, como se plasma en su Vida del campo, versión romántica del Beatus ille horaciano, en el soneto A la noche, o en el Romance a la mañana, y otros poemas de inspiración moderna, con ecos de Lista y de Menéndez Valdés. En El Pelayo, escrito en octavas reales y estructurado en cantos, une leyenda con historia, experimentando a lo largo de su elaboración poética, que duró casi una década, su evolución desde la estética dieciochesca hasta las doctrinas románticas, de las que se confiesa partidario públicamente.
Llevado por sus instintos de ver mundo, en el verano de 1827 decidió abandonar España y dirigirse a Portugal, vía Gibraltar, pero a su llegada, vigilado por la policía borbónica, fue confinado en el castillo de Sao Vicente (donde conoció a Teresa Mancha, hija de un coronel allí preso) y después expulsado de Lisboa, marchando junto con otros exiliados políticos a Londres, donde llegó el 15 de septiembre de 1827. Durante su estancia en la capital británica, la poesía de Espronceda, en contacto con otras literaturas europeas, acusa importantes cambios, distanciándose paulatinamente de las formas aprendidas en pro de una expresión más personalizada. En La entrada del invierno en Londres da muestras de esta sincera expresión del sentimiento del proscrito, aunque todavía sobre los moldes neoclásicos. La influencia de la poesía atribuída al vate céltico Ossian (en realidad James Macpherson) y de Byron se harán ostensibles en su poema Oscar y Malvina (1831). Asímismo Espronceda se hará eco de la moda literaria romántica en Gran Bretaña en su famoso Himno al sol, en el Canto del cosaco y en el Canto del cruzado, en el que se percibe una visión caballeresca de la Edad Media al estilo de Walter Scott.
En 1829 se dirige a Francia, quizá con la idea de pasar a España. Espronceda es considerado por las autoridades de ambos países como 'revolucionario liberal' y emisario de los generales Espoz y Mina y Jose María de Torrijos, destacados cabecillas de la revolución antifernandina. Por otra parte, sus escandalosas relaciones en Londres con Teresa Mancha, ya casada con un español emigrado y madre de dos hijos, pudo influir en su viaje a París, adonde llegó Teresa en 1830. Fuera por unas razones o por otras, el viaje a Francia le dio ocasión a Espronceda de participar en las barricadas de París en julio de 1830, revuelta que tuvo como consecuencia la entronización del monarca Luis Felipe, representante del liberalismo financiero. En octubre formó parte de una reducida expedición militar de liberales expatriados que entró en España por Pamplona con Joaquín de Pablo 'Chapalangarra' al mando. Tras la derrota del grupo y fusilamiento de su jefe, Espronceda regresa a Francia con los soldados sobrevivientes. El poeta se instala en París con Teresa, conociendo una época de felicidad con ella que quizá no se repite en su vida y que se refleja en sus poemas Y a la luz del crepúsculo serena, y Suave es tu sonrisa, amada mía, ambas de 1832. También escribe odas patrióticas y la tragedia histórica Blanca de Borbón.
En marzo de 1833, con ocasión de la muerte de su padre meses antes, y amparado en la ley de amnistía de ese año por la muerte del rey Fernando VII regresa a España, seguido de Teresa pocos días después. En Madrid, José y Teresa viven juntos brevemente y en mayo de 1834, tendrán una hija, Blanca (a poco de su llegada, Espronceda había ingresado en la Guardia Real y poco después fue de nuevo desterrado, esta vez en Cuéllar). En esta época escribe el primer volumen de su novela histórica Sancho Saldaña. También forma parte de la redacción del periódico El Siglo, frecuentemente censurado durante el gobierno de Martínez de la Rosa, y las ideas republicanas de Espronceda comienzan a ser ampliamente conocidas en los círculos políticos y literarios de Madrid. Los avatares de la guerra carlista, junto con otros sucesos políticos desafortunados ocasionan la ruptura de jóvenes liberales como Larra y Espronceda con el gobierno y él poeta sufre un nuevo destierro, en este caso en Badajoz, su tierra natal. La caída del gobierno de Martínez de la Rosa en mayo de 1835, junto con la desastrosa gestión económica y la inoperancia militar contra la facción carlista, hacen que Espronceda manifieste su oposición política, lo que le obligará a llevar una vida semiclandestina en casas de sus amigos de Madrid. En esta época sus poesías, algunas de las cuales ya eran conocidas como La canción del pirata y El reo de muerte, aparecen en diversas publicaciones periódicas como El Siglo, La Revista Española, y El Artista.
Espronceda ya ha conseguido una sólida reputación de escritor y también es público su pensamiento político y social a través de diversos artículos en periódicos o en sesiones del Ateneo. Sus ideas reivindican mejoras sociales para el campesinado y su llamamiento a la lucha contra la tiranía y la opresión queda patente en su artículo Libertad, igualdad, fraternidad, aparecido en El Español, en enero de 1836. El programa de reforma económica y social de Álvarez de Mendizábal, basado en la desamortización y en el fin de la guerra carlista, pronto lleva a sus partidarios a la decepción, y Espronceda publica en marzo el artículo político El gobierno y la bolsa, en donde se critica el espíritu financiero de unas reformas en las que el Gobierno confunde los intereses nacionales con los de la Bolsa; en mayo publica el  folleto El Ministerio Mendizábal, en el que se lamenta de la inútil demolición de edificios religiosos y la pérdida de obras artísticas que la desamortización ha causado, sin alterarse en cambio el sistema de posesión de la tierra, ni producirse mejoras en la población rural ni en la clase baja urbana. En ese mismo año Espronceda es abandonado por Teresa, quien fallecerá de tuberculosis dos años después, lo que dará lugar a la expresión de su sincero y desgarrado dolor en el Canto a Teresa, uno de los poemas de amor más intensos de todos los tiempos, que incluirá posteriormente en su poema mayor El diablo mundo (1941), obra maestra de la poesía lírica española. Más adelante mantuvo relaciones con otras mujeres, como Carmen de Osorio o Bernarda de Beruete.
En 1840 se edita su ambicioso poema mayor El estudiante de Salamanca, revisitación del mito literario de don Juan (anterior al Tenorio de Zorrilla), donde el héroe se tiñe de caracteres románticos y se enfrenta a la sociedad y a Dios desde una postura de abierta rebeldía.  Publicado como cuento en verso, en la línea de  la leyenda dramática romántica, y afín al poema dramático de ritmos y metros muy elaborados, supone la expresión de dolor ante la contemplación del destino personal del poeta que se convierte en dolor universal por el destino del hombre. En esta obra se entrecruzan múltiples temas y motivos procedentes, en su mayor parte, de la tradición española. Un año después aparece el volumen Poesías (1940), que recopila poemas anteriormente mencionados u otros como el famoso A Jarifa en una orgía, donde expresa desilusión, hastío, lamento por el placer perdido y rebelión contra la realidad de la vida, con un lirismo contenido que añade ritmos poéticos inéditos anticipatorios de la versificación modernista. El libro combina reflexiones filosóficas sobre el destino humano junto a poemas políticos y amorosos. Obra inacabada, El diablo mundo (1941), el segundo de sus grandes poemas mayores, constituye una visión épica y moral de la España de su tiempo, que trasciende a epopeya de la humanidad entera. Ha sido relacionado por la crítica con otros poemas filosóficos del Romanticismo europeo, especialmente con el Fausto de Goethe, pero su originalidad estriba en la evolución de su expresión poética para dar cabida a los diversos elementos de su contenido: una cosmología religiosa, la explicación de una Naturaleza simbólica, la historia de la Humanidad y la perversión de la bondad natural del individuo en contacto con la sociedad y, sobre todo ello, la manifestación del elemento personal y autobiográfico en el que el dolor prepondera sobre el placer.
En septiembre de 1840, la victoria liberal y la posterior regencia de Espartero le permitieron dar el salto a la primera fila de la palestra política española: elegido diputado a Cortes por Almería, luego fue nombrado secretario de la legación española en La Haya. A su muerte, acontecida súbitamente a los 34 años por difteria, era considerado el mejor poeta español del momento, amén de un político de prometedora trayectoria. Ello motivó que su entierro, en el que se dieron escenas de hondo dolor popular, fuera uno de los actos más multitudinarios de la época.

«Los años ¡ay! de la ilusión pasaron;
Las dulces esperanzas que trajeron,
con sus blancos ensueños se llevaron,
y el porvenir de oscuridad vistieron;
las rosas del amor se marchitaron,
las flores en abrojos convirtieron,
y de afán tanto y tan soñada gloria
sólo quedó una tumba, una memoria».

(Fragmento de Canto a Teresa)
José de Espronceda

  

Rocio Dúrcal - Que tengas suerte

Y SI TUVIERA QUE PERDERTE

En el undécimo aniversario de su fallecimiento recordamos a la cantante y actriz española con Que tengas suerte, canción de Antonio Guijarro y Augusto Algueró que interpretó en la película "Rocío de La Mancha" (1963) de Luis Lucia, protagonizada por la inolvidable artista madrileña junto a Carlos Estrada.

Mina - Nessuno

NEMMENO IL DESTINO CI PUÒ SEPARARE

Recordamos hoy el 77 cumpleaños de Mina con Nessuno (Capotosti / Mascheroni / De Simone), canción que se clasificó en octava posición en la final del Festival de Sanremo 1959 en las voces de Wilma De Angelis y Betty Curtis y que inmediatamente después formó parte del sexto single de la entonces principiante Tigresa de Cremona. El video corresponde a una secuencia de la película "Urlatori alla sbarra" (1960) de Lucio Fulci, en la que también aparecen, entre otros, Adriano Celentano, Umberto Bindi, Joe Sentieri  y Chet Baker.

viernes, 24 de marzo de 2017

Lola Beltrán - Cucurrucucú paloma

JURAN QUE EL MISMO CIELO SE ESTREMECÍA AL OIR SU LLANTO

En el día que se cumplen veintiún años de su fallecimiento, recordamos a la legendaria cantante mexicana Lola Beltrán con la famosa canción-huapango Cucurrucucú paloma, escrita por Tomás Méndez en 1954 e interpretada por la artista en la película homónima de 1964, que dirigió Miguel Delgado.

jueves, 23 de marzo de 2017

Stendhal (Grenoble, France, 23-1-1783 / Paris, France, 23-3-1842): In memoriam

CREADOR DE LA NOVELA MODERNA

Hoy se cumplen 175 años del fallecimiento del escritor francés Henri Beyle, más conocido como Stendhal. De vida tan pasional y aventurera como sus escritos (si no, más), figura entre los grandes maestros de la novela. Jacobino, anticlerical, positivista, diletante y mujeriego, su obra destaca por su defensa del individuo, la espontaneidad, la independencia y la capacidad por encontrar el propio camino. Este sensible apego al individualismo es la causa por la que generalmente se incluye a Stendhal entre los escritores románticos. Sin embargo, el extremado rigor crítico y concisión con que analiza la psicología humana, inserta en un determinado contexto histórico, político y social, lo hace destacar asímismo como uno de los primeros escritores realistas del siglo XIX. Deseoso por mantener una gran complicidad con el lector, desentendiéndose de formulismos, no fue apreciado en su tiempo y hoy se le considera creador de la novela moderna.
Proveniente de una rica familia burguesa, Henri Beyle era hijo de un abogado en la Audiencia Provincial. Su madre, a quien adoraba, falleció cuando él contaba siete años. Con su padre nunca se entendió y su educación primaria fue compartida por una tía, de fuerte creencias religiosas, y un sacerdote jesuita. Su abuelo materno, médico, le iniciaría en la literatura despertando su amor por los clásicos, mientras que su hermana menor sería su mejor confidente. Henri estudió en la Escuela Central laica de Grenoble, donde se apasionó por la matemáticas, y después fue enviado a la Escuela Politécnica de París, pero enfermó y no se pudo presentar a la prueba de acceso. El joven Henri rechazaba las ideas monárquicas y religiosas que le habían inculcado de niño y a los diecisiete años se alistó en el ejército de Napoleón. Enviado a Italia, primero fue subteniente de caballería y luego ayudante de campo de un general. Antes de dos años enfermó (al parecer, de sífilis, contraída por sus frecuentes contactos con prostitutas) y abandonó la vida militar, volviendo convaleciente a Francia. Tras su licencia disfrutó de una vida cercana a la bohemia en París. Entre los salones y teatros parisienses, siempre enamorado de una mujer diferente, empezó a cultivar ambiciones literarias. En 1806 se quedó sin dinero y gracias a Pierre Daru, un pariente que se convertiría en su protector, entró a trabajar en el Ministerio de Guerra con un puesto como intendente militar en Brunswick, en la baja Sajonia, destino en que permaneció hasta 1808. A finales de ese año un médico le confirmó el diagnóstico de sífilis y le prescribió un riguroso tratamiento. A partir de 1910 Beyle ascendió socialmente: ejerció diversos cargos oficiales, desempeñó misiones diplomáticas y tomó parte en la fracasada campaña rusa de 1812. Tras la caída de Napoleón en 1814, se exilió en Italia, fijó su residencia en Milán, una ciudad que adoraba, y efectuó varios viajes por la península italiana.
Publicó sus primeros libros de crítica de arte bajo el seudónimo de Bombet y en 1817 apareció Roma, Nápoles y Florencia, un ensayo original donde mezcla la crítica con recuerdos personales, en el que utilizó por primera vez el seudónimo de Stendhal. El gobierno austriaco, que regía el norte de Italia, le acusó de apoyar el movimiento independentista italiano, por lo que en 1821 se vio obligado a abandonar Milán, pasó por Londres y se instaló de nuevo en París cuando terminó la persecución de los partidarios de Napoleón. Dandy afamado, frecuentaba de manera asidua salones en los que destacó por su habilidad en el arte de la conversación, mientras sobrevivía con los ingresos que le procuraban sus colaboraciones en algunas revistas literarias inglesas. En 1822 publicó Sobre el amor, ensayo basado en buena parte en sus propias experiencias y en el que expresaba ideas bastante avanzadas; destaca su teoría de la "cristalización", proceso por el que el espíritu, adaptando la realidad a sus deseos, cubre de perfecciones el objeto de su anhelo. Asentó su posición de escritor gracias a la Vida de Rossini (1823) y las dos partes de su Racine y Shakespeare (1923-1925), auténtico manifiesto del romanticismo, que cultivó no sólo en sentido literario sino también estilístico y político. De esa época es su primera novela, Armancia (1927), subsiguiente a su relación con una actriz. En 1828, sin dinero ni éxito literario, solicitó un puesto en la Biblioteca Real, que no le fue concedido; hundido en una pésima situación económica, la muerte del conde Daru, al año siguiente, le afectó particularmente.
En 1830, con el ascenso al poder de Luis Felipe (el último rey de Francia), Stendhal ocupó puestos diplomáticos en Italia, ejerciendo de cónsul francés en Trieste ese año y desde el siguiente en Civitavecchia, cerca de Roma. Antes de partir había publicado su segunda novela, El rojo y el negro, que habría de convertirse en su obra más célebre. En ella, a través del personaje principal, Julien Sorel, un ambicioso joven de provincias, hace un análisis de la sociedad de la Restauración, reflejando las contradicciones de la emergente sociedad de clases. Destaca sobre todo el análisis psicológico de los personajes y el estilo directo y objetivo de la narración. Sucediéronse después otras obras inacabadas: Recuerdos de egotismo (1832), publicada postumamente en 1893, donde Stendhal hace un repaso del tramo de su vida comprendido entre 1821 y 1830, y las novelas Lucien Leuwen (1834) y Vida de Henry Brulard (1836), también de marcado contenido autobiográfico, que no verían la luz hasta 1894 y 1890 respectivamente. Memorias de un turista (1938) es un libro de viajes por Bretaña y Normandía y Crónicas italianas (1939) un libro de relatos cortos. En 1839 publicó su segunda obra maestra, La cartuja de Parma, mucho más novelesca que la primera y que, por su pasión y espontaneidad, constituye una confesión poética extraordinariamente sincera. Su trama narra las vicisitudes de Fabrizio del Dongo, un joven que se ve envuelto en las intrigas políticas del ducado de Parma. Tanto El rojo y el negro como La cartuja de Parma participan de rasgos románticos y realistas; en ellas aparece un nuevo tipo de héroe, típicamente moderno, caracterizado por su aislamiento de la sociedad y su enfrentamiento con sus convenciones e ideales, en el que muy posiblemente se refleja en parte la personalidad del propio Stendhal. Tanto Julien como Fabrizio se descubren a sí mismos a medida que avanzan por la vida en pos de sus ambiciones.
Aunque tuvo decenas de amantes y una vida sentimental llena de altibajos, el escritor nunca se casó. Durante sus últimos años, aun prosiguiendo su actividad literaria, sufrió gran cantidad de trastornos físicos con su salud minada por la sífilis contraída en su juventud (y hoy se cree que aún más por los tratamientos a la misma). Stendhal falleció a los 59 años en su casa parisina tras un ataque de apoplejía en la calle. Dejó inconclusa su última obra, Lamiel (1841), que fue publicada en 1889. Enterrado en el Cementerio de Montmartre, como último acto de provocación él mismo había dejado escrito su epitafio: "Henri Beyle, milanés, escribió, amó, vivió". Tal y como predijo, su éxito fue póstumo: "Seré conocido en 1880. Seré comprendido en 1930".


miércoles, 22 de marzo de 2017

Julia McKenzie - Losing my mind (Follies)

HOMENAJE A STEPHEN SONDHEIM

El compositor y letrista estadounidense de musicales Stephen Sondheim cumple hoy 87 años. "Follies", estrenada en 1971 y probablemente su obra más representada, ganó entonces siete premios Tony. En Londres se estrenó en 1987, con la inglesa Julia McKenzie en el papel de Sally, interpretado en Broadway dieciséis años antes por Dorothy Collins. La romántica canción Losing my mind, uno de los números más conocidos de la obra, se ha convertido en un multiversionado standard.

Leo Dan - Te he prometido

CUANTO HAS QUERIDO YO TE SUPE DAR

El cantante y compositor argentino Leo Dan cumple hoy 75 años. Le recordamos con Te he prometido (1969), una composición suya que traspasó fronteras.

martes, 21 de marzo de 2017

Orchestra and Choir of the Mikhailovsky Theatre (St. Petersburg) - Coronation Scene (Boris Godunov, Mussorgsky)

MODEST MUSSORGSKY (Karevo, Russia, 21-3-1839 / St. Peterburg, Russia, 28-3-1881): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal del compositor ruso Modest Mussorgsky, uno de los autores musicales más originales e influyentes de su país en el siglo XIX. Sus obras reflejan el deseo de reproducir los ritmos y la sonoridad de la lengua rusa y su música vocal evita generalmente las líneas melódicas y el fraseo simétrico y tiende a ajustarse lo más estrechamente posible a los acentos del habla común. Rasgo destacado de las melodías de Mussorgsky es su carácter modal. Ajeno al uso convencional, crea nuevas armonías. El realismo, que constituye un rasgo tan destacado de la literatura rusa del siglo XIX, está ejemplificado en Mussorgsky no sólo en el hecho de imitar la palabra hablada, sino en la descripción musical. La monumental ópera Boris Godunov es su composición más conocida en el mundo occidental, además de Cuadros de una exposición, suite para piano que posteriormente el compositor francés Maurice Ravel adaptó para orquesta, lo que hizo que tuviera mayor difusión fuera de su país..
Hijo de un campesino terrateniente, Modest Petrovich Mussorgsky escuchaba canciones de folclore desde pequeño y fue esto lo que le impulso a improvisar en el piano incluso antes de que su madre le enseñara. Cursó estudios con profesores privados y a los doce años compuso su primera obra, una polka. En 1852 ingresó en la Escuela Imperial de Cadetes en San Petersburgo y cuatro años después en el Regimiento de Guardias Preobrazhensk. En 1857, a través del compositor Alexandr Dargomizhski, se introdujo en el círculo de compositores nacionalistas rusos formado por Mili Balákirev, Alexandr Borodín, César Cui y Nikolái Rimski-Kórsakov, con quienes formaría el llamado 'grupo de los Cinco'.
Arruinada su familia, Mussorgsky dejó el ejército en 1958 para dedicarse por completo a la música, aunque desde 1863 hasta su muerte ejerció una discontinua carrera como funcionario de la administración pública (el alcoholismo, además de aniquilar su salud, le haría perder el trabajo en varias ocasiones). Musicalmente, excepción hecha de las enseñanzas que recibió de Balákirev y Rimski-Kórsakov, fue un autodidacta. Su armonía, atrevida y poco ortodoxa, basada en las escalas de la música folclórica rusa, influiría en otros compositores como Debussy, Ravel o Shostakovich. De 1868 data una ópera inacabada, El matrimonio, seguida poco después de su obra maestra operística, Boris Godunov, compuesta entre 1868 y 1869, revisada y ampliada en diversas ocasiones y finalmente estrenada con éxito en 1874. Basada en un drama del escritor ruso Alexandr Pushkin, esta ópera  presenta un tratamiento de los coros muy original desde el punto de vista musical y dramático y en ella hace del pueblo ruso el verdadero protagonista del drama.
Otros títulos destacados de su producción son la pieza orquestal Una noche en el Monte Pelado (1867), los ciclos de Canciones infantiles (1872), la suite pianística Cuadros de una exposición (1874), el ciclo vocal Cantos y danzas de la muerte (1877), además de las óperas inacabadas La feria de Sorochinski (1881,completada por César Cui) y La Khovanchina (1886, completada por Rimski-Kórsakov).
Epiléptico y alcoholizado, Mussorgsky falleció prematuramente a los 42 años.




Boris Godunov, ópera en cuatro actos y un prólogo sobre el personaje del mismo nombre que fue Zar de Rusia entre 1598 y 1605, fue compuesta por Mussorgsky en 1869 y, tras diversas revisiones, estrenada en 1874. La famosa "Escena de la Coronación" corresponde al segundo cuadro del prólogo de la misma, en la que, en esta gala-concierto de 2011, intervienen sucesivamente las voces del tenor ruso Dmitry Golovnin y del bajo alemán  René Pape.

lunes, 20 de marzo de 2017

Lolita Sevilla - Dos cruces

SEVILLA TUVO QUE SER, CON SU LUNITA PLATEADA

Un recuerdo a la cantante y actriz sevillana Lolita Sevilla en su aniversario natal con el famoso bolero Dos cruces, que en 1952 compuso Carmelo Larrea y posteriormente obtuvo difusión internacional en multitud de versiones. En 1967 apareció en un e.p. de Lolita, acompañada de las guitarras de Manuel Cubedo.

Lina Morgan - Amor de Carnaval

HAY QUE VIVIR LLEVANDO UN BUEN DISFRAZ

Recordamos a la vedette y actriz madrileña Lina Morgan en su aniversario natal con Amor de Carnaval, divertido número a ritmo de tango de "Pura Metalúrgica", revista con libreto de Manuel Baz y música de Gregorio García Segura de la que fue estrella junto a Florinda Chico y que, entre 1975 y 1976, se mantuvo en cartel en el Teatro Barceló de Madrid durante 324 funciones.

domingo, 19 de marzo de 2017

Chuck Berry - Johnny B. Goode

ADIÓS AL PADRE DEL ROCK & ROLL

Chuck Berry, padre fundador y leyenda viva del rock & roll, nos dejó ayer a la edad de 90 años en St. Charles County, Missouri, US. "Si bien no se puede decir que alguna persona inventó el rock & roll, Chuck Berry es el que más se aproxima de entre cualquier individuo, al ser él quien puso juntas todas las piezas esenciales", dijeron los creadores del Salón de la Fama del Rock & Roll en Cleveland, Ohio. Le recordamos con uno de sus hits más famosos, Johnny B. Goode, composición propia publicada en marzo de 1958, que en el video interpreta en un programa de la televisión francesa de ese mismo año.



Juanita Reina - Y sin embargo te quiero

QUE LAS CAMPANAS ME DOBLEN SI TE FALTO ALGUNA VEZ

Recordamos a la tonadillera sevillana Juanita Reina en el decimoctavo aniversario de su fallecimiento con Y sin embargo te quiero (Quintero / León / Quiroga), una de sus coplas más conocidas, que cantó en la película "Vendaval" (1949) de Juan de Orduña.

sábado, 18 de marzo de 2017

Bobby Solo - Quello sbagliato

IL RAGAZZO GIUSTO CHE TU VUOI

En 1965, después de vencer en el Festival de Sanremo y quedar quinto en el de Eurovisión con "Se piangi, se ridi", el siguiente single de Bobby Solo contenía la bonita canción Quello sbagliato (Alberto Testa / Flavio Carraresi ), que nuevamente fue número 1 en Italia. El cantante romano cumple hoy 72 años.

Quello sbagliato  (parole)

Il ragazzo giusto che tu vuoi
nella vita un giorno troverai
Ora vattene da me io sarei per te
quello sbagliato.
Io sarei quello sbagliato che
non si deve amare mai
e ti prego adesso che lo sai
fammi un ultimo sorriso e poi
allontanati da me.
Non domandarmi bugie perchè
non voglio non voglio
prendermi più gioco di te
Anche se tu per un pò soffrirai
dammi la mano e vai.
Io sarei quello sbagliato che
tu non devi amare mai
e ti prego adesso che lo sai
fammi un ultimo sorriso e poi
allontanati da me.
 

Antonio Molina - La hija de Juan Simón

EVOCACIÓN DE LA MEJOR VOZ EN LA ESPAÑA MÁS POPULAR (2)

La bellísima milonga La hija de Juan Simón (Camps / Torres / Montorio), un anterior éxito de Angelillo, fue interpretada con abrumador sentimiento por el inolvidable Antonio Molina en la película del mismo título que en 1957 dirigió Gonzalo Delgrás. Pocas canciones como ésta aúnan, con tal justeza y precisión, intensidad dramática y emotivo lírismo, que en la insuperable voz del grandísimo cantaor español no producen sino un hondo estremecimiento.

Antonio Molina - Soy minero

EVOCACIÓN DE LA MEJOR VOZ EN LA ESPAÑA MÁS POPULAR (1)

Cumpliéndose hoy 25 años de su tránsito al Olimpo de los más grandes, recordamos la voz inmensa del cantaor malagueño Antonio Molina en su canción más famosa, el pasodoble-marcha Soy minero (Ramón Perelló / Daniel Montorio), que el inimitable artista estrenó en la película "Esa voz es una mina" (1955) de Gonzalo Delgrás.

viernes, 17 de marzo de 2017

Nat King Cole - Ansiedad

MUSITANDO PALABRAS DE AMOR

En su aniversario natal, una vez más recordamos al prematuramente desaparecido cantante estadounidense Nat King Cole. En esta ocasión lo hacemos con Ansiedad, versión del conocidísimo pasaje llanero del que en 1955 fue autor el compositor venezolano José Enrique (Chelique) Sarabia y estrenó el también venezolano tenor Alfredo Sadel. Incluído en el álbum A mis amigos (1958) -el segundo de Cole en español (excepto tres canciones en portugués)-, merced a los arreglos y dirección de Dave Cavanaugh y con la colaboración del trío mexicano Los Panchos, el tema sedujo a millones de oyentes y dio la vuelta al mundo.

René Clément (Bordeaux, France, 18-3-1913 / Montecarlo, Monaco, 17-3-1996): In memoriam

EL MÁS INCLASIFICABLE Y DISCUTIDO DIRECTOR DE LA POSGUERRA FRANCESA

Hoy es aniversario del fallecimiento (y mañana lo será del nacimiento) del director de cine francés René Clément, uno de los más importantes cineastas europeos surgidos tras la Segunda Guerra Mundial. Ecléctico, pesimista y cínico en ocasiones, sus films, caracterizados por el rigor narrativo y la precisión formal, fueron aclamados por público y crítica hasta comienzos de los años 60. Los críticos de Cahiers du Cinéma, defensores a ultranza de la política de autores,  le reprocharon sus variaciones de estilo y la carencia de un mundo propio o una actitud moral que diese coherencia tonal o temática -a diferencia de contemporáneos suyos como Clouzot o Becker- a su filmografía, peyorativamente tildada por ellos como cinéma de qualité. Un par de veces premiado en Cannes como mejor director, dos de sus obras, Demasiado tardeJuegos prohibidos, ganaron el Oscar a la mejor película en lengua no inglesa, mientras que el gran éxito de A pleno sol convirtió en estrella internacional a su protagonista Alain Delon. Casi veinte años después de su retiro, en 1984, Clément recibió un César honorífico por el conjunto de su carrera.
Hijo de un decorador, René Clément desarrolló desde su infancia su gusto por la imagen. Mientras estudiaba arquitectura en París,  rodó de manera artesanal un cortometraje de dibujos animados y, entre 1937 y 1944, habiendo abandonado sus estudios, realizó el corto "Cuida tu izquierda" (1937), con guión y protagonismo del cómico Jacques Tati, y otros cortos antes y durante la guerra, además de diversos documentales en Arabia y el norte de Africa. A finalizar la II Guerra Mundial, varias asociaciones de miembros de la Resistencia le encargaron la dirección de La batalla del raíl (1946), hábil mezcla de documental y ficción con actores profesionales o no, un realista y sentido homenaje a los ferroviarios rebelados contra los ocupantes alemanes, film que en el Festival de Cannes obtuvo el Premio Internacional del Jurado y el de mejor director para Clément. Su éxito fue de tal magnitud que hizo despegar la carrera del cineasta.
Clément fue uno de los primeros realizadores franceses que adoptó el sistema de coproducciones basadas en acuerdos comerciales europeos, rodando en Italia y Gran Bretaña, utilizando inteligentemente a actores extranjeros y dando a sus películas ese aire cosmopolita característico de su obra. En esta brillante primera etapa rodó Los malditos (1947), drama bélico cuya acción transcurre casi integramente en un submarino alemán que se dirige a Latinoamérica, con Marcel Dalio, Henri Vidal, Florence Marly y Paul Bernard, Demasiado tarde (1949), drama protagonizado por Jean Gabin e Isa Miranda, que supuso una curiosa mezcla de realismo poético francés y neorrealismo italiano en torno a una narración policiaca, por la que, de nuevo, Clément ganó el premio al mejor director en Cannes y en 1951 recibió el Oscar a la mejor película en lengua no inglesa, galardón que dos años después también logró Juegos prohibidos (1952), después de haber ganado el León de Oro en el Festival de Venecia y el BAFTA a la mejor película. Este drama rural de gran éxito internacional fue uno de los puntales del cine francés de los 50; en él la guerra es contemplada por la mirada inconsciente de dos niños insertos en un sombrío ambiente del que ignoran conceptos religiosos y morales. El film, considerado la obra maestra de su autor, cautivó a públicos de todo el mundo gracias a su gran lirismo y agudeza psicológica, a la naturalidad de la interpretación de Georges Poujouly y Brigitte Fossey (a la sazón con doce y seis años respectivamente) y a la música de guitarra de un todavía desconocido Narciso Yepes. Después Clément dirigió Monsieur Ripois (1954), comedia dramática de aventuras sobre un mujeriego (Gérard Philipe) que persigue amor y riqueza de París a Londres, nuevamente Premio Especial del Jurado en Cannes, Gervaise (1956), drama adaptador de una novela de Zola, con Maria Schell y François Périer que fue candidato al Oscar a la mejor película en lengua no inglesa, o Tiempos de ira (1957), drama colonial basado en una novela de Marguerite Duras, con Silvana Mangano, Anthony Perkins, Richard Conte, Jo Van Fleet y Alida Valli.
A comienzos de la década siguiente se estrenó, con gran éxito de público y crítica, A pleno sol (1960), excelente adaptación (aun traicionando su final) de la novela "El talento de Mr. Ripley" de Patricia Highsmith, con Alain Delon (en una de sus interpretaciones más sobresalientes), Maurice Ronet y Marie Laforêt, un thriller policiaco de asfixiante intensidad realizado a contracorriente de los principios de la Nouvelle Vague (que preconizaba en aquel momento la narración libre y el desprecio por los guiones compactos) y hoy un clásico imprescindible. Siguieron ¡Qué alegría vivir! (1961), deliciosa comedia sobre un joven ingenuo utilizado por una familia de anarquistas en la Roma de 1921, señalada por el nacimiento del fascismo, con Alain Delon y Barbara Lass, El día y la hora (1963), drama en tiempos de guerra con Simone Signoret y Stuart Whitman, Los felinos (1964), thriller de intriga con Alain Delon y Jane Fonda, y ¿Arde París? (1966), superproducción bélica sobre la liberación de la capital francesa plagada de estrellas que triunfó ampliamente en su país de origen y menos fuera de él.
Despues de entonces, ya catalogado como un director impersonal con producciones más pensadas para el mercado americano (que, empero, no logró conquistar), Clement sólo dirigió títulos menores: El pasajero de la lluvia (1970), thriller criminal con Charles Bronson y Marlène Jobert, La mansión bajo los árboles (1971), drama con Faye Dunaway y Frank Langella, Como liebre acosada (1972), policiaco con  Jean-Louis Trintignant, Robert Ryan, Lea Massary y Aldo Ray, y La cicatriz (1975), thriller con Maria Schneider, Sydne Rome, Vic Morrow y Robert Vaughn. Después se retiró y cultivó su afición por la pintura.
René Clément tuvo dos esposas, Bella y Catherine. Su fallecimiento se produjo la víspera de su 83 cumpleaños.

  

jueves, 16 de marzo de 2017

Jerry Lewis - Rock my baby, rock

ROCK ME, JERRY!

Recordamos el 91 aniversario natal del genial Jerry Lewis con esta extraordinaria secuencia musical de la película Rock-a-bye baby (1958) de Frank Tashlin (titulada en España Yo soy el padre y la madre), que el actor protagonizó junto a Marilyn Maxwell y Connie Stevens. En ella, con la canción Rock my baby, rock, compuesta por Harry Warren (música) y Sammy Cahn (letra), el cómico y sus músicos parodian a las mil maravillas a grupos de rock 'n' roll muy de moda entonces como Bill Haley & his Comets.

miércoles, 15 de marzo de 2017

Tribute to David Cronenberg (Toronto, Ontario, Canada, 15-3-1943)

ESTILISTA DE LO MACABRO

El cineasta canadiense David Cronenberg cumple hoy 74 años. Director y además guionista de la mayor parte de sus obras, gran parte de su filmografía (mayoritariamente rodada en Canadá) muestra su obsesión por mutar, transformar o experimentar con el físico humano en vínculo con la perturbación psicológica de sus personajes, lo que se ha denominado 'terror corporal'. Su personal y controvertida trayectoria, que en ocasiones ha dividido a la crítica, ha sido reconocida en diversos festivales de cine. En 2002 fue nombrado Oficial de la Orden de Canadá, en 2006 recibió el premio a toda su carrera en Cannes y en 2009 la Legión de Honor francesa.
Hijo de un escritor y periodista y una pianista, David Cronenberg estudió Lengua y Literatura en la Universidad de Toronto. Interesado por el cine, comenzó rodando cortos en 1966. Debutó como director de largometrajes al filmar Stereo (1969), película de bajo presupuesto y experimental de ciencia-ficción convertida actualmente en pieza de culto. Durante los primeros años 70 trabajó principalmente en producciones televisivas. Su revelación cinematográfica internacional se produjo con Vinieron de dentro de… (1975), mezcla de terror y ciencia-ficción con Joe Silver, Lynn Lowry y Barbara Steele, a la que siguieron Rabia (1977), thriller de ciencia-ficción con Marilyn Chambers, Tensión en el circuito (1979), drama deportivo de serie B con Claudia Jennings, William Smith y John Saxon, y Cromosoma 3 (1979), drama psicológico de terror y ciencia-ficción con Oliver Reed, Samantha Eggar y Art Hindle.
En las dos décadas siguientes mantuvo sus constantes temáticas: mutación, experimento científico fallido, enfermedad, tecnología… en películas como Scanners (1981), thriller de terror y ciencia-ficción con Jennifer O'Neill, Stephen Lack y Patrick McGoohan; Videodrome (1983), thriller de ciencia-ficción con James Woods, Sonja Smits y Deborah Harry; sus dos primeras producciones estadounidenses: La zona muerta (1983), adaptación de una novela terror de Stephen King, con Christopher WalkenBrooke Adams, Tom Skerritt, Herbert LomAnthony Zerbe, Colleen Dewhurst y Martin Sheen, que obtuvo un éxito considerable de público y crítica, y La mosca (1986), remake del clásico de terror y ciencia-ficción del mismo título dirigido en 1958 por Kurt Neumann, con Jeff Goldblum, Geena Davis y John Getz, que supuso el mayor éxito comercial de su carrera y su única película premiada con un Oscar (al mejor maquillaje);  Inseparables (1988), drama psicológico de terror con Jeremy Irons interpretando a dos hermanos gemelos ginecólogos y Geneviève Bujold; El almuerzo desnudo (1991), drama de ciencia-ficción que adaptaba una novela de William Burroughs, con Peter Weller, Judy Davis, Ian Holm, Julian Sands y Roy Scheider; M. Butterfly (1993), drama basado en hechos reales acaecidos en la China de los años 60 sobre un diplomático francés enamorado de una misteriosa diva de ópera que además le espía para el gobierno chino, personajes respectivamente interpretados por Jeremy Irons y John Lone; Crash (1996), thriller psicológico sobre temas como el fetichismo erótico que ganó el Premio especial del jurado en el Festival de Cannes, con James Spader, Holly Hunter, Elias Koteas, Deborah Kara Unger y Rosanna Arquette, y eXistenZ (1999), thriller futurista sobre el mundo de los videojuegos, ganador de un Oso de Plata en el Festival de Berlín, con Jennifer Jason Leigh y Jude Law.
En sus films del siglo XXI, aun manteniendo su mirada personal, se ha distanciado del género fantástico en títulos como Spider (2002), thriller psicológico con Ralph Fiennes, Miranda Richardson y Gabriel Byrne; Una historia de violencia (2005), thriller criminal de producción estadounidense con Viggo Mortensen, Maria Bello, Ed Harris y William Hurt, que, además de constituir su segundo mayor éxito de taquilla, es considerada su mejor película por la crítica; dos produccion británicas consecutivas: Promesas del este (2007), magnífico thriller criminal con Viggo Mortensen, Naomi Watts, Vincent Cassel y Armin Mueller-Stahl, otro de sus mejores trabajos, y Un método peligroso (2011), drama según una novela de Christopher Hampton sobre la turbulenta relación entre el joven psiquiatra Carl Jung (Michael Fassbender), su mentor Sigmund Freud (Viggo Mortensen) y su paciente Sabina Spielrein (Keira Knightley); Cosmopolis (2012), drama psicológico con Robert Pattinson, y Maps to the stars (2014), comedia negra satírica con Julianne Moore, Mia Wasikowska, John Cusack y Robert Pattinson. El cineasta canadiense también ha ejercido como productor, actor en papeles menores, director de series televisivas y novelista (en 2014 publicó "Consumido", su primera novela).
David Cronenberg se ha casado en dos ocasiones. La primera en 1970 con Margaret Hindson, con quien tuvo a su hija Cassandra y de la que se divorció en 1977. Su segunda esposa, desde 1979, es Carolyn Zeifman, con quien ha tenido a su hija Caitlin y a su hijo Brando.