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sábado, 25 de noviembre de 2017

Yukio Mishima (Tokyo, Japan, 14-1-1925 / Ibid, 25-11-1970): In memoriam

SINGULAR, CONTRADICTORIO, INTENSO, ATORMENTADO, BRILLANTE Y EGÓLATRA

Hoy se cumplen cuarenta y siete años de la muerte por suicidio ritual del escritor japonés Yukio Mishima. Novelista, dramaturgo, ensayista, poeta y crítico, se le considera una de las figuras más significativas de la literatura nipona del siglo XX. Renovador y prolífico, amado y odiado, en sus 45 años de vida fue autor de nada menos que 257 obras, incluidas novelas, relatos, obras de teatro y una película. Su obra más significativa combina estilos modernos literarios con elementos tradicionales japoneses, donde la sexualidad y moralidad son temas constantes. Imaginativo y sensual, las tramas de sus novelas revelan un profundo análisis psicológico de sus personajes y cierta dosis de humor. Su temática audaz y descarnada, atenta a los aspectos más oscuros de las pasiones humanas, contrasta con la delicadeza y contención de su estilo. Hasta tres veces su nombre fue propuesto para el premio Nobel, pero, a pesar de su fama, fue su compatriota Yasunari Kawabata quien lo recibió en 1968 (el galardonado argumentó que Mishima lo merecía más que él). En las academias, tanto japonesa como anglo-americana, hoy, Mishima no tiene virtualmente voz, ya que sus opiniones no son 'políticamente correctas'. Sin embargo, las obras de Mishima siguen siendo leídas ampliamente tanto en Japón como en el resto del mundo. Traducido a buen número de lenguas, Mishima es el autor que más ha hecho por introducir la literatura de su país en Ocidente.
Nacido Kimitake Hiraoka en el seno de una familia burguesa (su padre era funcionario de un ministerio estatal) el futuro escritor se vanagloriaba de pertenecer por sus antepasados a la estirpe de los samuráis. Criado por su abuela, realizó los estudios en Gakushüim, la escuela por tradición reservada a la nobleza. Escribió su primer cuento a los trece años y a los dieciséis su primer libro de relatos, que coincidió con su ingreso en la Facultad de Derecho. Aconsejado por un profesor, eligió el pseudónimo literario de Yukio Mishima para proteger a su preeminente familia (su padre se oponía rotundamente a su vocación literaria). Su primer trabajo extenso, El bosque en flor, fue publicado en 1941. Durante la Segunda Guerra Mundial trabajó en una fábrica aeronáutica, tras ser desestimado como piloto suicida por presentar síntomas de tuberculosis. Sobrevivir a una guerra en la que habían muerto tantos compatriotas se convirtió para él en un trauma lacerante e imborrable. En 1947, ya graduado en la Universidad, obtuvo un empleo como funcionario en el Ministerio de Finanzas japonés. De constitución frágil, ese trabajo le fatigaba y un año después lo abandonó para dedicarse por entero a la actividad literaria.
Mishima recibió el influjo del romanticismo japonés, que poniendo énfasis en la unidad del Japón y de sus valores culturales, servía de base de apoyo a la ideología nacionalista y dominó el mundo literario de los años de la guerra. Sin embargo, también la literatura occidental moderna fue para Mishima objeto de destacado interés y de atenta lectura. Después de un buen número de relatos publicó las novelas Ladrones (1948) y Confesiones de una máscara (1949), obra clave de carácter autobiográfico y raíces nietzscheanas que cosechó un inmediato éxito y que supuso su consagración en el mundo literario cuando contaba con sólo veinticuatro años. Aunque en general se acogió la novela con un juicio favorable, algunos críticos mostraron perplejidad y reservas frente a la particularidad del tema (la confesión por parte de Kochan, el joven protagonista, de su homosexualidad), que ciertamente representaba una novedad en la literatura japonesa. La narración formula un itinerario interior del protagonista a través de los recuerdos de la primera infancia hasta las fantasías de la adolescencia, y del lento y aceptado proceso de toma de conciencia de su diferencia y de la incapacidad, experimentada hasta el límite, de amar al sexo opuesto. Otras novelas posteriores fueron Sed de amor (1950), una muestra del interés de Mishima por crear personajes inestables, que parecen bordear la locura, Los años verdes (1950, historia de tinte autobiográfico cuyo joven protagonista se embarca en una espiral autodestructiva presidida por una morbosa obsesión por el dinero y la fascinación por la muerte, El color prohibido (1951-1953), díptico que describe con sinceridad, audacia y el lirismo que caracteriza toda su obra, el universo homosexual del Tokyo de la posguerra, o El rumor del oleaje (1954), que, inspirada en la leyenda de Daphnis y Chloe, narra el nacimiento y consumación del idilio entre dos adolescentes situados en un mundo arcádico, primitivo y elemental, ubicado en una diminuta isla japonesa. Su obra de mayor éxito en los años 50 fue El pabellón de oro (1956). Se trata del retrato de un joven monje fascinado y al mismo tiempo oprimido por la belleza de un famoso templo budista. Una novela en la que, como en parte de su obra, el elemento principal es la belleza y su destrucción, la vida y la muerte, eros y tanatos; nihilismo y aceptar lo irremediable, reflejo de aquel Japón, ante la mirada de Mishima, decadente y humillado tras la guerra.
En Después del banquete (1960), que gira en torno al amor y la ambición, brinda una nueva muestra de su penetrante visión de las relaciones humanas. La escuela de la carne (1963), novela de pasiones, traiciones y búsquedas del reconocimiento social, confronta la sociedad moderna japonesa con las viejas tradiciones. El marino que perdió la gracia del mar (1963), historia de una traición ignorada y de una idealización frustrada, utiliza con extraordinaria habilidad los silencios y las elipsis para dotar al relato de un ritmo característico. Música (1965) despliega una sugerente e interesante trama en la que se ponen en juego los complicados resortes que esconde y utiliza el alma humana en su búsqueda desesperada de la plenitud tanto del amor físico como del amor absoluto. Vestidos de noche (1967) es una inteligente y aguda sátira de la hipocresía de la alta sociedad japonesa, fascinada por los modos de vida occidentales pero en la que aún pesan la sobriedad, la rigidez y la estricta jerarquía familiar y social del Japón tradicional. Con la que se considera su obra maestra, El mar de la fertilidad, tetralogía final que incluye las novelas: Nieve de primavera (1965-1967), Caballos desbocados (1969), El templo del alba (1970) y La corrupción de un ángel (1971, póstuma), el arte literario del mítico escritor japonés culmina con prodigiosa fuerza su visión inspirada e ideológicamente crítica de una auténtica epopeya nacional. Con la acción transcurriendo entre 1912 y 1975, cada una de estas novelas corresponde a una reencarnación distinta del mismo ser: un joven aristócrata, un nacionalista y violento extremista, una indolente princesa y un huérfano manipulador y sádico. El tema central en esta singular obra es el reproche a la sociedad nipona por la pérdida de los valores de antaño. A Mishima le preocupaba la creciente occidentalización de su país y analizaba la transformación del Japón desde una perspectiva pesimista, pues creía que esta metamorfosis resultaría estéril en el futuro de un país dueño de tantas y tan sabias tradiciones. Sus héroes son jóvenes rebeldes aspirantes a una pureza utópica. El autor recrea los rituales de la vida y de la muerte, de la transmigración y la purificación del alma, tan presentes en la tradición japonesa. Obra personal de notable belleza literaria, sin precedentes en la literatura moderna de Japón, contiene e invoca el sentido que para Mishima guardaba el honor y el respeto a las esencias pasadas de su país. Su compromiso con la literatura y la cultura lo llevaba a rebelarse contra una sociedad sumida en el vacío espiritual y la decadencia moral.
Entre su abundante producción ensayística destaca El sol y el acero (1968), que expresa muchas de las contradictorias y sutiles líneas de fuerza que configuran el complejo y singular pensamiento del escritor o cuando menos del personaje que quiso llegar a ser. El culto del cuerpo como trasunto y complemento del culto del espíritu, la dolorosa contradicción entre palabra y acción, la delgada, casi imperceptible frontera entre vida y muerte -realidades opuestas pero que a la vez se funden y complementan-, son sólo algunos de los motivos que articulan este texto de base autobiográfica. Mishima también fue autor de piezas teatrales contemporáneas como Madame de Sade (1965) o Mi amigo Hitler (1968), así como obras para el teatro kabuki y versiones modernas de dramas nō tradicionales. También apareció en varias películas y dirigió e interpretó el cortometraje silente "Patriotismo" (1966).
Desde 1955, la obsesión por la decadencia física y una concepción esteticista y masoquista del heroísmo le impulsaron a comenzar la práctica del culturismo, entrenando con pesas a fin de transformar su cuerpo, delgado y de constitución débil, en el de un hombre fuerte y musculoso. A partir de entonces siguió rigurosos regímenes de ejercicios semanales, que mantuvo hasta el final de sus días. También fue un ágil practicante de disciplinas de artes marciales como el kendo, el arte japonés de la esgrima. Personaje público y controvertido, su vida se haría crecientemente notoria por las actitudes retóricas y las posturas extremas. Llegaría a ser un maestro de la representación: actor, espadachín ritual, modelo de fotografías de simbología inquietante, adalid de una misoginia espartana.
Tras viajar por Europa y el continente americano, Mishima, que era bisexual, contrajo matrimonio en 1958 con Yoko Sugiyama. Tuvieron dos hijos, una niña llamada Noriko (nacido en 1959) y un niño de nombre Ichiro (1962). Sin embargo, Mishima frecuentaba bares gay. Mucha gente, incluída su esposa, trataban de ignorar su inclinación homoerótica, lo que previno que muchos de sus amantes se atrevieran a tomar iniciativa. Incluso años después de su muerte, los hijos harían esfuerzos conjuntos para prevenir que se hiciera pública la sexualidad de Mishima, demandando a quienes afirmaban ser testigos de dichas relaciones.
En los años 60 la figura de Mishima era vista siguiendo las dos distintas pero inseparables facetas de su personalidad. El Mishima hombre de acción encontró su soporte teórico en la idea de que la verdad puede ser alcanzada sólo a través de un proceso intuitivo en el que pensamiento y acción no son dos modalidades distintas. Encontró la ejemplificación de ello y la suma de los más auténticos valores nipones en la ética de los samuráis. En consecuencia, se hizo portavoz de la necesidad de restaurar los valores de la cultura prebélica de su país. Conocido por su apoyo político a la remilitarización de Japón, fue miembro de las Fuerzas Terrestres de Autodefensa y pasó por varios procesos de entrenamiento en 1967. En 1968 utilizó su reputación y su entrenamiento marcial para fundar el Tatenokai (Sociedad del Escudo), una milicia privada formada por jóvenes estudiantes patriotas volcados en el estudio de artes marciales y disciplinas físicas. Su organización paramilitar juró lealtad a la noción abstracta de "las voces de la muerte heroica" y apoyaba el nacionalismo japonés y el retorno de Hirohito a su estatus divino de Emperador, necesario como símbolo del absoluto. Mishima, que albergaba fuertes sentimientos militaristas y era incapaz de aceptar la contemporización con Estados Unidos, se mostró descorazonado por la actitud pasiva de otros intelectuales ante la pérdida de los valores y las señas de identidad de su país, a los que denominó como "el mayor enemigo dentro de la nación", tildándolos de cobardes, desarraigados, deshonestos y, entre otros calificativos, presuntuosos.
Yukio Mishima estuvo obsesionado durante su existencia con la idea del suicidio, especialmente durante los últimos años de su vida. Movido por el espíritu de protesta y por la voluntad de cambiar la situación política de su país, la mañana del 25 de noviembre de 1970 acudió junto a cuatro miembros de la Sociedad del Escudo al cuartel general del Comando Oriental de las Fuerzas de Autodefensa de Japón en Tokio. Allí se encerraron con barricadas y apresaron, ataron y amordazaron al comandante. Desde la terraza del despacho, uniformado y con la banda de los samuráis en la frente, Mishima lanzó una arenga a los soldados para dar un golpe de estado con el propósito de conseguir el rearme de Japón y devolver la Institución Imperial a su legítimo lugar; también recriminó al pueblo japonés por dejarse embaucar por la sociedad de consumo olvidando las antiguas tradiciones, que conforman el núcleo de su identidad como individuos y como pueblo. Mishima, previsor, había alertado a los medios de comunicación de su 'acto de honor'. Tal y como él mismo esperaba, su discurso fue recibido con silbidos y abucheos por la tropa. Los nipones no daban crédito a los acontecimientos. Mishima era un personaje admirado y, pese a su bien merecida fama como escritor, fue tachado de exhibicionista, mitómano, narcisista, megalómano, fascista, homosexual, masoquista…
El final de Yukio Mishima, al enfrentarse a la derrota, fue terrible. Optó por el ritual del seppuku, perteneciente al bushidō (el código ético de los samuráis) para suicidarse. El seppuku consiste en clavarse un puñal en el vientre de izquierda a derecha para ser posteriormente decapitado por un asistente y así acortar una agonía larga y dolorosa. La muerte de Yukio Mishima, un suicidio ritual al grito de "Larga vida al emperador", se pareció más a una carnicería que a otra cosa. El compañero asignado para realizar la decapitación, Masakatsu Morita, no fue capaz de hacerlo tras varios intentos fallidos, siendo Hiroyasu Koga el encargado de acabar con el trabajo. Sus compatriotas, incapaces de asimilar su sacrificio, apelaban a su pérdida de cordura. Pero Mishima había decidido su muerte años atrás y llevaba muchos meses planeándola cuidadosamente y en silencio. Hay expertos que dicen que en realidad el intento de golpe fue una excusa para ejecutar su mortífero ritual.
Una semana antes de su suicidio, Mishima había organizado en el museo más grande de Tokio una exposición con toda su vida, desde sus inicios hasta el final. Estaban sus libros, prendas representativas, videos y muchas cosas más, pero hacia la parte final estaba él: vestido de samurái, con el torso desnudo y cargando una katana (espada japonesa), el personaje hacía la simulación de suicidarse. La misma mañana de su de su postrero 'acto de honor' había dejado corregidas las pruebas de imprenta de la que sería su última novela, La corrupción de un ángel, que cierra su tetralogía de El mar de la fertilidad.









viernes, 24 de noviembre de 2017

The entertainer

SCOTT JOPLIN (Texarkana, Texas, US, 24-11-1868 / New York City, US, 1-4-1917): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal del compositor y pianista afroamericano estadounidense Scott Joplin. Se le recuerda por llevar a la perfección formal el ragtime, género musical consistente en piezas de ritmo sincopado, muy populares en las primeras décadas del siglo XX en Estados Unidos, en las que se aprecia un sentido rítmico próximo al del jazz. Durante su breve carrera escribió más de cuarenta piezas de ragtime, un ballet y dos óperas, pero no grabó en disco ninguna de sus composiciones hasta sus últimos años de vida, entre 1915 y 1916, si bien la mayoría de sus partituras, escritas para pianolas, se conservan completas. Fue conocido como el "Rey del ragtime".
Scott Joplin nació en una población de Texas tres años después de haber finalizado la Guerra de Secesión Norteamericana. Su padre era un esclavo liberto que trabajaba como peón en el ferrocarril y su madre, una afroamericana nacida libre, era sirvienta en una casa burguesa de gente de raza blanca. Scott fue el segundo hijo de los seis que tuvieron. Ambos progenitores eran muy amantes de la música para entretenerse en su tiempo libre, hasta el punto que enseñaron a cada uno de sus hijos a tocar un instrumento diferente. Presenciar a la familia al completo tocando podía ser como escuchar a una banda de música. A los ocho años, Scott Joplin tenía tanta práctica que la familia para la que servía su madre le puso a tocar el piano en su casa mientras su madre limpiaba. A los once años ya tocaba dos instrumentos más aparte del piano. Sus improvisaciones debieron impresionar mucho a sus padres y a la familia que daba trabajo a su madre, ya que le buscaron un profesor de música alemán, que fue quien comenzó a hacerle interesarse por la música clásica europea (y la posible adaptación de sus improvisaciones) y la música popular norteamericana (por entonces tocada por negros en buena parte). Su padre abandonó a la familia y, cuando Scott tenía catorce años, se murió su madre. La necesidad de dinero en su modesto hogar le hizo trabajar tocando en pianos de bares y prostíbulos. Es indudable que la práctica diaria durante horas le hizo adquirir una habilidad musical tremenda. Aparte de que el ambiente en el que se desenvolvió debió darle una personalidad determinada, fue durante esa etapa cuando tomó forma su particular sentido rítmico y de composición. A mediados de los años ochenta emprendió un largo viaje como músico ambulante a través de ciudades del estado de Missouri. En 1893, con banda propia, Joplin actuó en la Feria Mundial de Chicago, a la que acudieron millones de norteamericanos que, en bares, cafés y burdeles, escucharon el ragtime, la música popular que se había puesto de moda y a cuyas piezas se les dio el nombre de rags. Joplin deseaba triunfar como pianista y como compositor clásico y por esta razón se instaló en 1895 en Sedalia, Missouri, y estudió música en la Universidad George R. Smith para gente de color. Ese mismo año vendió a dos editores neoyorquinos sus dos primeras partituras de canciones, Please say you will y A picture of her face.
En 1899 se casó con Belle, cuñada de un músico colaborador, y poco después se trasladó a St. Louis para trabajar junto con el editor de música John Stark. Allí publicó dos de sus temas más famosos, Original rags y Maple leaf rag, que fue la primera pieza instrumental americana que tuvo un gran éxito e influenció a otros músicos. Los Joplin tuvieron una hija que murió a los pocos meses de nacer y poco después se divorciaron. Otros trabajos posteriores del compositor que se hicieron muy conocidos fueron The entertainer, March Majestic y la breve obra teatral The ragtime dance (1902). La partitura de su primera ópera, Un invitado de honor (1903), despues de una gira por varios estados, se extravió en una oficina de registro de derechos. En 1904 Joplin se volvió a casar, ahora con la joven Freddie Alexande, que falleció por un resfriado diez semanas después de la boda.
En 1907 se trasladó a Nueva York donde escribió un libro pedagógico, "La escuela de ragtime", siguiendo sus patrones de bajo complejo, sincopados esporádicos, silencios atemporales y plasmando sus ideas sobre la armonía, que fueron largamente imitadas. Allí conoció a su tercera esposa, Lottie Stokes, con quien se casó en 1909. Fue en esta época cuando empezó a ser conocido como el "Rey del ragtime". En 1911 publicó, con su propio dinero su trabajo más ambicioso, la ópera Treemonisha, obra con la que intentó ir más allá del ragtime para crear una ópera exclusiva de los afroamericanos. Su contrato con Stark había expirado en 1909, y pese a que realizó giras tocando el piano en sus últimos años, sus esfuerzos se volcaron en Treemonisha, obra que le obsesionaba. También escribió el libreto y dirigió la coreografía. Pero en vida del autor, esta ópera sólo consiguió una representación semipública y desinterés de la crítica. Obsesionado con el éxito de esta obra, la representó y produjo, contra viento y marea, y perdió, en consecuencia, mucho dinero; además, cayó en una profunda depresión y acabó sufriendo un colapso nervioso en 1911. Treemonisha, que pasó inadvertida varias décadas, tendría una puesta en escena teatral completa en Broadway en 1972. Ha sido definida como "la primera gran ópera americana, puesto que habla un lenguaje genuinamente americano con las formas convencionales de la ópera occidental, como la obertura, el aria, el airoso, el recitativo, los coros y el ballet".
Enfermo de sífilis en fase avanzada que derivó en demencia, finalmente Joplin tuvo que ser ingresado en un psiquiátrico, donde murió pocos meses después a la edad de 48 años. Su música resurgió cuando varios de sus rags, entre ellos The entertainer, aparecieron en la película "El golpe" (1973) de George Roy Hill.


The entertainer (1902) es un clásico rag compuesto para piano por Scott Joplin. La primera grabación de la que se tiene constancia data de 1928 y se debe al dúo Blue Boys, quienes hicieron de la pieza un arreglo para mandolina y guitarra. En 1970 el musicólogo Joshua Rifkin publicó el álbum Scott Joplin: Piano rags, el primero en recuperar la música del autor texano, que llegaría a vender un millón de copias.  El revival de Joplin continuó y se amplificó cuando Marvin Hamlisch adaptó varias de sus piezas en la película "El golpe" (1973), ganadora de siete Oscars, entre ellos el correspondiente a la mejor banda sonora adaptada.

jueves, 23 de noviembre de 2017

José Luis Borau (Zaragoza, España, 8-8-1929 / Madrid, España, 23-11- 2012): In memoriam

RESPETADO REFERENTE DEL CINE ESPAÑOL

Hoy se cumplen cinco años del fallecimiento del director cinematográfico, productor, guionista y ocasional actor español José Luis Borau, quien también escribió ensayos, relatos y novelas. Toda su producción mantiene una vinculación temática: la infancia, la familia, la memoria, la amargura, el sexo, Norteamérica, lo fronterizo, la provincia, la muerte, la culpa, la Navidad… aparecen en sus relatos y guiones. Referente absoluto para varias generaciones que vieron en él a su representante más independiente, le gustaba decir que no había hecho otra cosa en su vida que ver y leer cine. En varios momentos de su vida asumió los compromisos de un hombre incorruptible, en cuyo fondo latía la insobornable tenacidad de todo individualista, siempre comprometido con la libertad de expresión. Hombre culto, de consenso y educación exquisita, bondadoso aunque temperamental, sus cinco años como Presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España son considerados como los mejores de dicha institución. Fue miembro de la Real Academia Española de la Lengua desde 2008 hasta su muerte. Entre otros galardones, fue reconocido con un premio Goya al mejor director, además de la Medalla de Oro de las Bellas Artes (1988), la Medalla de Oro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España (2000) o el Premio Nacional de Cinematografía (2002).
Hijo único y tardío, José Luis Borau Moradell nació en el seno de una familia de clase media. Durante la Guerra Civil española, después de un bombardeo, sus padres decidieron para protegerle que no asistiese al colegio. Ese periodo lo pasó encerrado en su casa sentado en una mecedora, donde se pasaba las horas leyendo y que guardaría como reliquia el resto de su vida. En su adolescencia fue un gran cinéfilo, además de lector voraz. Luego, por imperativo familiar estudió Derecho. En los años 50 ejerció como crítico de cine en el periódico Heraldo de Aragón y en 1957 se trasladó a Madrid a fin de inscribirse en la Escuela Oficial de Cine, donde fue alumno aventajado. Para poder mantenerse, trabajó como funcionario del Instituto Nacional de la Vivienda y en la agencia de publicidad Clarín. En 1960 se graduó como director.
Su primer lagometraje dirigido fue Brandy (1964), spaghetti western con Alex Nicols, Maite Blasco y Jorge Rigaud, al que siguió Crimen de doble filo (1965), thriller con Susana Campos, Carlos Estrada y Antonio Casas. Ambos films tuvieron buena acogida crítica pero escaso eco comercial, por lo que Borau tardó casi una década en volver a rodar. En 1967 fundó su propia productora El Imán, de la que saldrían títulos como Un, dos, tres, al escondite inglés (1970) de Iván Zulueta o Mi querida señorita (1972) de Jaime de Armiñán, cuyo guión coescribió Borau junto a su director, y que fue candidata al Oscar a la mejor película en lengua no inglesa. Volvió a ponerse tras la cámara con Hay que matar a B. (1974), thriller político de estilo preciso y minucioso que contó con un reparto internacional que incluía a  Darren McGavin, Stephane Audran, Patricia Neal y Burgess Meredith. 
En los estertores del régimen franquista rodó la que se considera su mejor película, Furtivos (1975), drama rural de gran crudeza con Lola Gaos, Ovidi Montllor y Alicia Sánchez. La censura exigió cuarenta cortes en su metraje, pero Borau se negó denodadamente y el film, tras alzarse con la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián, obtuvo un enorme éxito de crítica y de público. Luego de producir películas para otros -La adúltera (1975) de Roberto Bodegas, Camada negra (1976) de Manuel Gutiérrez Aragón, El monosabio (1977) de Ray Rivas, In memoriam (1977) de Enrique Brasó, Sonámbulos (1978) de Manuel Gutiérrez Aragón-, ya en tiempos democráticos Borau estrenó La Sabina (1979), drama con elementos fantásticos para el que reunió a un elenco internacional formado por Angela Molina, Jon Finch, Harriet Andersson, Simon Ward, Ovidi Montllor y Carol Kane, Río abajo (1984), drama rodado en los Estados Unidos que suponía un alegato contra las fronteras, con David Carradine, Scott Wilson y Victoria Abril, todo un fracaso financiero, y Tata mía (1986), drama con toques de comedia protagonizado por Imperio Argentina, Alfredo Landa y Carmen Maura.
Después de volver a su faceta de productor de films de otros cineastas -Malaventura (1988) de Manuel Gutiérrez Aragón, Todos a la cárcel (1993) de Luis García Berlanga, Ilona llega con la lluvia (1996) de Sergio Cabrera- dirigió otras dos películas propias: Niño nadie (1997), drama con Rafael Álvarez "El Brujo", Icíar Bollaín y Pedro Alonso, y Leo (2000), drama con Icíar Bollaín y Javier Batanero por el que ganó el premio Goya al mejor director. Su última película como productor fue El verano de Anna (2001) de la directora germano-argentina Jeanine Meerapfel.
En 1992 dirigió la miniserie televisiva familiar de seis episodios "Celia", basada en los libros de Elena Fortún. De 1994 a 1999 fue Presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, desde la que dirigió la elaboración y edición del Diccionario de Cine Español en 1998. En 1995 fundó su propia editorial, Ediciones El Imán, dedicada principalmente a la cinematografía. Cubriendo la vacante dejada por Fernando Fernán Gómez, en 2008 fue nombrado académico de la Real Academia Española.
Tras superar una operación de cáncer de esófago, José Luis Borau falleció dos años después de cáncer de laringe, cuando contaba 83.


miércoles, 22 de noviembre de 2017

Pedro Marín - Aire

TRIBUTO A PEDRO MARÍN (Barcelona, España, 22-11-1961)

El cantante español Pedro Marín cumple hoy 56 años. Lanzado cuando todavía era adolescente, pronto se convirtió en ídolo juvenil y Que no (1979) fue su primer éxito discográfico. A comienzos de la década de los 80 su popularidad creció con otras canciones tecno-pop como Aire (1980), Cantaré (1981), Laura (1981), Dos enamorados (1982), Cómprame (1982) y otras. En 1986 se retiró de la música, estudió Económicas y trabajó en el departamento internacional de un banco durante casi diez años. En 2006 retomó su carrera musical al margen de la industria con el álbum Diamonds, un homenaje a Amanda Lear, al que sucedió el doble álbum con canciones originales Pulpo negro (2007) y, desde entonces, ha publicado otros cinco.



En el programa de RTVE "Los mejores años de nuestra vida" (2009), un maduro pero energético Pedro Marín recreó Aire (Luis Gómez Escolar / Danilo Vaona), su canción más recordada y, en su día, de ventas millonarias en España y Latinoameérica.

martes, 21 de noviembre de 2017

Eleanor Powell - Oh, Lady be good!

LA MEJOR BAILARINA DE HOLLYWOOD

Recordamos el aniversario natal de la bailarina y actriz estadounidense Eleanor Powell, quien, a pesar de su relativamente corta carrera en la pantalla, llegó a ser la mayor estrella de la danza en la época dorada de Hollywood. Contratada por Metro-Goldwyn-Mayer, brilló en lujosos films musicales como Lady be good (1941), donde dirida por Norman Z. McLeod, interpretó brillantes números como éste -con fondo musical de la famosa canción de George y Ira Gershwin- en el que baila con un perro entrenado por ella misma.

lunes, 20 de noviembre de 2017

Norman Greenbaum - Spirit in the sky

TRIBUTE TO NORMAN GREENBAUM (Malden, Massachusetts, US, 20-11-1942)

El cantante y compositor estadounidense Norman Greenbaum cumple hoy 74 años. Considerado como one-hit wonder, se le recuerda fundamentalmente por su composición Spirit in the sky, que grabó en 1969 y se convirtió en un gran éxito internacional (Nº 3 en USA, nº 1 en UK, Irlanda, Alemania, Canadá y Australia, etc... ). Entre 1969 y 1970, su canción vendió dos millones de copias y recibió un disco de oro. Después de editar cuatro álbumes, el último en 1972, desapareció del panorama musical. Recientemente, tras recuperarse de un acidente de circulación en 2015, ha vuelto a actuar.



domingo, 19 de noviembre de 2017

Tommy Dorsey & His Orchestra - Song of India

TOMMY DORSEY (Shenandoah, Pennsylvania, US, 19-11-1905 /  Greenwich, Connecticut, US, 26-11-1956): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal del legendario trombonista, compositor y director de orquesta estadounidense Tommy Dorsey, que alcanzó gran fama en la era de las big bands. Hermano menor del también director Jimmy Dorsey, compartió con él orquesta en dos etapas de su carrera y también dirigió en solitario la suya propia entre 1935 y 1953. Juntos o por separado (si bien Tommy era más temperamental y poseía mayor capacidad de liderazgo), los hermanos Dorsey fueron responsables de algunos de los temas musicales más memorables de la época del swing. Respaldados por muchos de los mejores músicos y cantantes de la época, escalaron de forma progresiva las listas de éxitos con algunos de los mejores ritmos, sin precedentes en su tiempo. Ellos siempre se esforzaron por ser los mejores en su campo y pocos directores de orquesta podrían igualar sus logros. A comienzos de los años 40, de la orquesta de Tommy Dorsey saltó a la fama Frank Sinatra.
Segundo de los cuatro hijos de un minero y cornetista que llegó a ser director de la banda local, al igual que su hermano mayor, el clarinetista Jimmy Dorsey, seguiría los pasos musicales de su padre. De niño aprendió a tocar tanto la trompeta como el trombón y desde los quince años formó parte de diversas agrupaciones musicales. A finales de los  años 20 se unió a su hermano para actuar como la Dorsey Brothers Orchestra, un referente musical obligado de la década siguiente, que llegó a contar en sus filas a instrumentistas como Glenn Miller. Aunque los dos hermanos compartían el liderazgo, Tommy afrontó la dirección y la mayor parte del trabajo musical. Jimmy se limitó a sentarse con la orquesta y tocar su instrumento. Por aquella época Tommy llegó a ser uno de los trombonistas de mayor prestigio y sus favores se los disputaban tanto las casas discográficas como las emisoras de radio. Entre sus grabaciones destacan The spell of the blues (1929), I'm getting sentimental over you (1932), I believe in miracles (1934) o Lullaby of Broadway (1935). En 1935 una fuerte discusión entre ambos hermanos puso fin a la agrupación y Tommy contrató a músicos de otra orquesta para formar la suya propia.
Exitosa desde el primer momento, la Tommy Dorsey Orchestra tuvo su primer hit con On treasure island (1935) y, gracias a sus giras y actuaciones en la radio,  pronto se convirtió en la mejor banda de los Estados Unidos, consideración de la que disfrutó en la mayor parte de la era del swing, insuperable sobre todo cuando se trataba de baladas como Marie (1937), To you (1939), You taught me to love again (1939) o In the middle of a dream (1939). Dorsey fichó en 1939 al grupo vocal The Pied Pipers, del que a la sazón formaba parte la luego famosa solista Jo Stafford, y, a finales de ese año, un joven Frank Sinatra, que aún no había cumplido los veinticuatro años, dejó su puesto de vocalista en la Orquesta de Harry James para sustituir al cantante Jack Leonard en la de Dorsey, con la que permanecería hasta 1942 (junto a ésta realizó ochenta grabaciones, entre ellas I'll never smile again, This love of mine o In the blue of the evening). En 1942 Dorsey contrató a la sección de cuerdas de la Orquesta de Artie Shaw, que se había disuelto, y su orquesta amplió su sonido aún más. Al año siguiente, la versión de la orquesta de Pine top's boogie woogie, un viejo tema ragtime de 1928, retitulado Boogie woogie (1943), se convirtió en el mayor hit de la carrera de Dorsey, con cuatro millones de discos vendidos.
La Tommy Dorsey Orchestra fue requerida por diversos estudios de Hollywood para actuar en películas como "Las Vegas nights" (1941), "Ship ahoy" (1942), "Presenting Lily Mars" (1943), "Girl crazy" (1943), "Du Barry was a Lady" (1943), "Broadway rhythm" (1944), "Thrill of a romance" (1945), "The great Morgan" (1946) o "A song is born" (1948). A finales de 1946 Dorsey disolvió su orquesta cuando la popularidad de las grandes bandas empezó a decaer. Tommy decidió dejar el negocio de la música pero no podría permanecer lejos por mucho tiempo y acabó rehaciendo su orquesta. Poco después, reconciliado con su hermano Jimmy, comenzó a filmar el rodaje de su película biográfica "Los fabulosos Dorseys" (1947), que dirigió Alfred E. Green. Nuevamente Tommy luchó para mantener a su formación. Por último, en 1953, Jimmy se reunió con él para formar una nueva banda, la Dorsey Brothers Orchestra. Con la ayuda de Jackie Gleason, difundieron uno de los programas de televisión más populares en la CBS en 1954, en un episodio de los cuales incluía la participación de un entonces tímido y casi desconocido Elvis Presley.
Tommy Dorsey se casó en tres ocasiones. Con Patricia Kraft se fugó en 1922 cuando ella tenía 16 años y él 17, tuvieron dos hijos y se divorciaron en 1943. Su segunda esposa fue la actriz Pat Dane, matrimonio que duró desde 1943 hasta el divorcio en 1947. Finalmente, en 1948 desposó a la bailarina Jane New, con la que tuvo otros dos hijos. Dorsey y su tercera esposa estaban en proceso de divorcio en el momento de la muerte de él. Su final llegó de forma inesperada a los 51 años, falleciendo por asfixia mientras dormía (apnea del sueño). Jimmy nunca se recuperó de la muerte de su hermano y no le sobreviviría mucho tiempo. Murió siete meses más tarde, después de perder una batalla contra el cáncer. Warren Covington, trombonista, se hizo cargo de la orquesta y, explotando comercialmente el enorme prestigio del fallecido, realizó durante varios años una gira por todos los estados de la unión.



Song of India, canción popular adaptada de un aria de la ópera rusa "Sadko" de Rimsky-Korsakov, se convirtió en un gran éxito en 1937 y en standard de jazz después, a raiz de su grabación por la Orquesta de Tommy Dorsey, que la interpretó posteriormente en la película "Las Vegas nights" (1941) que dirigió Ralph Murphy y que puede apreciarse en esta secuencia de la misma.
 

sábado, 18 de noviembre de 2017

Concierto Voces para la Paz 2010 (castañuelas: Lucero Tena) - Fandango de "Doña Francisquita" (Amadeo Vives)

AMADEO VIVES (Collbató, Barcelona, España, 18-11-1871 / Madrid, España, 2-12-1932): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal del compositor español Amadeo Vives, autor de numerosas zarzuelas y también algunas óperas, operetas y canciones populares. Simpático, entusiasta, optimista, brillante y de indudable talento, suyas son algunas de las consideradas obras cumbre del género chico, como Maruxa, Bohemios y Doña Francisquita. También escribió ensayos sobre estética musical, un libro autobiográfico y una comedia teatral.
Nacido en el seno de una modesta familia de panaderos, Amadeo Vives Roig aprendió las primeras nociones de música de su hermano mayor. En 1882 comenzó a cantar en la escolanía de la parroquia barcelonesa de Santa Ana, donde recibió además lecciones de piano, armonía, composición y contrapunto. Más tarde fue discípulo de Felipe Pedrell y en 1886 decidió trasladarse a Málaga, donde dirigió la banda del asilo de San Juan de Dios. Un año más tarde regresó a Barcelona y allí ocupó el puesto de maestro de capilla en la parroquia de Jesús de Gracia. Posteriormente, cuando contaba dieciocho años, pasó a ocuparse de la capilla musical del convento de Nuestra Señora de Loreto.
En 1891 fundó el Orfeón Catalán junto a Lluís Millet, y durante algún tiempo fue director de la citada agrupación, además de componer canciones como L'emigrant o La balenguera y realizar arreglos de melodías populares catalanas para ellos. En 1897 estrenó en el Teatro Novedades de Barcelona su ópera Arthús y obtuvo tal éxito de público y crítica que llevó a su autor a trasladarse a Madrid como compositor de óperas y zarzuelas. Una vez en la capital de España, estrenó zarzuelas como La primera del barrio (1898), Don Lucas del Cigarral (1899) o La balada de la luz (1900).
Pero Vives compuso sus obras más célebres una vez entrado el siglo XX. En 1903 se estrenó Bohemios, zarzuela en un acto ambientada en el París del siglo XIX. Dado el éxito que obtuvo, la obra se llegó a interpretar simultáneamente en diversos teatros españoles e incluso, con la autorización de Vives, fue transformada en ópera por Conrado del Campo. La versión operística de Bohemios se representó por primera vez en el Teatro Real de Madrid en 1920, pero no fue tan exitosa como la zarzuela original. Maruxa fue una de las obras que más fama le dieron. Se trata de una égloga lírica en dos actos cuya historia transcurre en el marco rural gallego. El libreto es de Luis Pascual y fue estrenada en Madrid en 1914, nueve años antes que Doña Francisquita (1923), la zarzuela que sin lugar a dudas le hizo más célebre. El libreto de ésta última, comedia lírica en tres actos inspirada en "La discreta enamorada" de Lope de Vega, es obra de Federico Romero y de Guillermo Fernández-Shaw. Otras zarzuelas suyas menos conocidas son El húsar de la guardia (1904), El talismán prodigioso (1908), Juegos malabares (1910), Balada de Carnaval (1919) o La villana (1927). También compuso operetas como La Generala (1912) y fuera del género chico destacan sus Canciones epigramáticas (1915-1916).
La aportación de Vives a la zarzuela y ópera españolas fue notoria. Su obra es fresca y popular, sin caer en la vulgaridad. Nunca se dejó contaminar por el italianismo, en el que muchos otros compositores de la época habían caído, ni tampoco por el folclorismo excesivo. Pero Vives cultivó también otros géneros como el lied, la sardana y las canciones corales. A lo largo de su vida ocupó diversos puestos de responsabilidad, como la vicepresidencia de la Junta Nacional de la Música y los Teatros Líricos o la presidencia de la Sociedad de Autores Españoles.
Amadeo Vives falleció en Madrid a los 61 años de edad y se le despidió con multitudinarias manifestaciones de duelo.



El Fandango del baile de cuchilleros de la zarzuela Doña Francisquita, enclavado en el Cuadro II del Acto III, es una de las piezas instrumentales más conocidas de Amadeo Vives. El video muestra su ejecución en el Auditorio Nacional de Música de Madrid en el Concierto Voces para la Paz 2010. Dirige la orquesta Miguel Roa, con acompañamiento de castañuelas a cargo de Lucero Tena.

viernes, 17 de noviembre de 2017

Tribute to Danny DeVito (Neptune Township, New Jersey, US, 17-11-1944)

HUMOR CÁUSTICO

El actor, director y productor estadounidense Danny DeVito cumple hoy 73 años. De muy corta estatura y físico peculiar, accedió a la pantalla procedente del teatro. Comenzó como secundario y a mediados de los años 80 se convirtió en popular y cotizada estrella, estatus que matuvo hasta los primeros años del siglo XXI, trabajando con directores como Robert Zemeckis, Barry Levinson, Tim Burton, Francis Ford Coppola, Milos Forman, David Mamet o Woody Allen. Aunque ha actuado en dramas y comedias, su especialidad es la sátira ácida y el humor negro, elementos que también forman parte de su filmografía como realizador. Ganó un Globo de Oro y un Emmy en televisión como actor de reparto. Erin Brokovich, una de las películas en cuya producción participó, fue candidata al Oscar en cinco categorias.
Daniel Michael DeVito, Jr. nació en el seno de una familia de procedencia italiana, siendo él el tercer hijo, después de dos hermanas mayores. Su padre poseía un pequeño comercio y Danny, tras graduarse en 1962, estudió peluquería, siendo su primer empleo profesional en el salón de belleza de una hermana mayor. Más tarde estudió arte dramático en Nueva York, graduándose en 1966, y a continuación dio inició a su trayectoria interpretativa, primero como actor teatral junto a su futura esposa Rhea Perlman, y después apareciendo en títulos cinematograficos como Sueños de cristal (1970) de Robert Clouse, drama con John Denos y Caroline Barrett, Mortadela (1971) de Mario Monicelli, comedia con Sophia Loren y William Devane, Pata de palo (1973), film de aventuras dirigido y protagonizado por Kirk Douglas, Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) de Milos Forman, drama carcelario premiado con cinco Oscars, con Jack Nicholson y Louise Fletcher, donde DeVito repitió el papel que había interpretado cuatro años antes en la obra off-Broadway del mismo título basada en la novela de Ken Kesey, El mejor amante del mundo (1977) de Gene Wilder, comedia ambientada en los años 20 con su director como protagonista, o Camino del sur (1978), western dirigido y protagonizado por Jack Nicholson.
En 1978 saltó a la popularidad en los Estados Unidos al intervenir en la teleserie "Taxi", emitida con éxito hasta 1983 y Danny obtuvo por ella un Globo de Oro como mejor actor secundario y más tarde también consiguió el premio Emmy por su trabajo en la misma. En la gran pantalla pudo ser visto en La gran subasta (1979) de Brice Mack, comedia con Ruth Cox, Jonathan Gries y Debi Richter, Voy a volverme mico (1981) de Jeremy Joe Kronsberg, comedia con Tony Danza, o La fuerza del cariño (1983) de James L. Brooks, melodrama ganador de cinco Oscars, con Debra Winger, Shirley MacLaine y Jack Nicholson. Su presencia en Tras el corazón verde (1984) de Robert Zemeckis, comedia de aventuras con Michael Douglas y Kathleen Turner, le hizo ampliamente conocido a escala internacional y encauzó su carrera en Hollywood. Entre las películas suyas que posteriormente se estrenaron figuran Johnny peligroso (1984) de Amy Heckerling, comedia con Michael Keaton, La joya del Nilo (1985) de Lewis Teague, secuela de Tras el corazón verde con sus mismos protagonistas, Dos tipos geniales (1986) de Brian De Palma, comedia con Joe Piscopo, ¡Por favor, maten a mi mujer! (1986) de Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker, comedia negra con  Bette Midler, o Dos estafadores y una mujer (1987) de Barry Levinson, comedia con Richard Dreyfuss y Barbara Hershey.
Debutó como director con Tira a mamá del tren (1987), comedia negra donde actuó junto a Billy Crystal y Anne Ramsey, consiguió su mayor éxito comercial con Los gemelos golpean dos veces (1989) de Ivan Reitman, comedia con Arnold Schwarzenegger, obtuvo otro notable éxito con La guerra de los Rose (1989), comedia negra que dirigió y protagonizó junto a  Michael Douglas y Kathleen Turner, a la que siguieron Con el dinero de los demás (1991) de Norman Jewison, comedia con Gregory Peck, Batman vuelve (1992) de Tim Burton, thriller de acción con Michael Keaton y Michelle Pfeiffer, Hoffa, un pulso al poder (1992), su tercer trabajo como director y el primero como productor, un drama biográfico que también coprotagonizó junto a Jack Nicholson, que no funcionó en taquilla, Jack el oso (1993) de Marshall Herskovitz, drama con Robert J. Steinmiller Jr., Miko Hughes y Gary Sinise, Un poeta entre reclutas (1994) de Penny Marshall, comedia militar con Gregory Hines, James Remar y Cliff Robertson, Junior (1994) de Ivan Reitman, comedia con Arnold Schwarzenegger y Emma Thompson, Cómo conquistar Hollywood (1995) de Barry Sonnenfeld, comedia negra en cuya producción intervino, con John Travolta, Gene Hackman y René Russo, Matilda (1996), comedia familiar que dirigió, produjo y protagonizó, con su esposa Rhea Perlman y la niña Mara Wilson, Mars attacks! (1996) de Tim Burton, comedia negra de ciencia-ficción con Jack Nicholson, Glenn Close, Annette Bening y Pierce Brosnan, Legítima defensa (1997) de Francis Ford Coppola, drama judicial con Matt Damon, Claire Danes, Jon Voight, Mary Kay Place y Mickey Rourke, L.A. Confidential (1997) de Curtis Hansonneo-noir que adaptaba una novela de James Ellroy, con Kevin Spacey, Russell Crowe, Guy Pearce y Kim Basinger, De ahora en adelante (1998) de Richard LaGravenese, comedia dramática en cuya producción también participó, con Holly Hunter y Queen Latifah, Las vírgenes suicidas (1999) de Sofia Coppola, drama con James Woods, Kathleen Turner, Kirsten Dunst y Josh Hartnett, El pez gordo (1999) de John Swanbeck, comedia dramática con Kevin Spacey, o Man on the moon (1999) de Milos Forman, comedia biográfica que también coprodujo sobre el humorista americano Andy Kaufman, encarnado por Jim Carrey.
En la década siguiente su presencia continuó siendo habitual en títulos de menor repercusión (salvo alguna excepción) como Todos la querían muerta (2000) de Nick Gómez, comedia negra con  Bette Midler, Neve Campbell y Jamie Lee Curtis, Reventado (2000) de Scott Alexander y Larry Karaszewski, comedia con Norm MacDonald y Dave Chappelle, ¿Qué más puede pasar? (2001) de Sam Weisman, comedia con  Martin Lawrence, El último golpe (2001) de David Mamet, thriller con Gene Hackman y Delroy Lindo, Smoochy (2002), su quinto film como director, una comedia negra que también protagonizó junto a Robin Williams y Edward Norton, Todo lo demás (2003) de Woody Allen, comedia con Allen, Jason Biggs, Stockard Channing, Jimmy Fallon y Christina Ricci, Big fish (2003) de Tim Burton, comedia dramática de fantasía con Ewan McGregor, Albert Finney, Billy Crudup, Jessica Lange y Helena Bonham Carter, Christmas in love (2004) de Neri Parenti, comedia italiana con Christian De Sica, Be cool (2005) de F. Gary Gray, comedia criminal con John Travolta y Uma Thurman, Un toque de seducción (2005) de Randall Miller, comedia romántica con Robert Carlyle y Marisa Tomei, La apuesta perfecta (2006) de Mark Rydell, drama criminal con Kim Basinger, Kelsey Grammer Carla Gugino, Ray Liotta, Tim Roth y Forest Whitaker, Una familia casi perfecta (2006) de Greg Glienna, comedia con Kathy Bates, Ron Livingston y Neve Campbell, Un vecino con pocas luces (2006) de John Whitesell, comedia navideña con Matthew Broderick, La chica de mis sueños (2007) de Jake Paltrow, comedia romántica con Gwyneth Paltrow, Martin Freeman y Penélope Cruz, ¡Maderos 091! (2007), comedia paródica dirigida y protagonizada por Robert Ben Garant que DeVito coprodujo, reservándose un cameo, o Un hombre solitario (2009) de Brian Koppelman y David Levien, comedia con Michael Douglas.
En el resto de su filmografía apenas se pueden destacar: En la boda de mi hermana (2010) de Mark Steven Johnson, comedia romántica con Kristen Bell y Josh Duhamel, Hotel Noir (2012) de Sebastian Gutiérrez, un neo-noir indie con Carla Gugino y Rufus Sewell, o Wiener-dog (2016) de Todd Solondz, comedia excéntrica con Ellen Burstyn. En diversas películas ha puesto su voz a personajes de animación o ejercido como narrador. También se acreditó como coproductor de otros films donde no actuó, como Pulp fiction (1994) de Quentin Tarantino, Gattaca (1997) de Andrew Niccol, Un romance muy peligroso (1998) y Erin Brockovich (2000), ambas de Steven Soderbergh, Y entonces llegó ella (2004) de John Hamburg, Diarios de la calle (2007) de Richard LaGravenese, o Caminando entre las tumbas (2014) de Scott Frank. En los últimos años ha vuelto a trabajar como actor teatral.
Después de más de una década de convivencia, Danny DeVito y Rhea Perlman se casaron en 1982, tuvieron tres hijos y, tras 30 años de matrimonio, se separaron en 2012. Meses después se reconciliaron, para volver a separarse en 2017, aunque no están en trámites de divorcio.